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Artistas Importantes del Minimalismo

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Arte y Artistas Importantes del Minimalismo

Las siguientes obras de arte son las más importantes del minimalismo que repasan las ideas principales del movimiento y destacan los mayores logros de cada artista en el minimalismo.

Frank Stella

Frank Stella: Die Fahne Hoch! (1959)

Descripción y análisis de sus obras de arte: Incuestionablemente un monumento clave en el arte moderno, esta obra, una de la serie de Pinturas Negras realizadas por Frank Stella, es un audaz contramovimiento contra los eminentes pintores expresionistas abstractos. Es una pintura rectangular monocromática sobre un chasis pesado que se proyecta desde la pared hacia el espacio circundante como si instara al espectador a retroceder. Magnetizado, el espectador se acerca buscando leer el patrón de rayas en la superficie. Estas rayas son, de hecho, el lienzo en bruto revelado entre amplias rayas negras pintadas con pocas pinceladas visibles. La pintura es una abstracción plana y sin marco, y parecería no tener sentido si no fuera por su título: Die Fahne Hoch! (¡Levanten la bandera!), las palabras iniciales del himno nazi. Stella ha negado cualquier conexión política, y uno podría ver el título como una ola a Jasper Johns, cuyas pinturas de la bandera americana de 1954-55 fueron elogiadas por sus críticos, pero también por el desconcierto del público en general.

Stella desafió la dicotomía tradicional entre pintura y escultura que fue defendida por Clement Greenberg y otros modernistas, particularmente aquellos asociados con el Expresionismo Abstracto. En particular, Greenberg sintió que cada medio y, de hecho, cada forma de arte debería ser pura sin solapamiento con otros medios, una idea que es directamente disputada por el lienzo/objeto de Stella y la mayoría de los Minimalistas.

Los estudiosos han leído el título como un ejemplo de la estética de los minimalistas, a menudo en su cara, y su negativa a hacer obras que son visualmente atractivas, obligando al espectador a confrontar obras a nivel físico como una forma de disputar la relación convencional entre el espectador y la obra de arte en la que el espectador simplemente aprecia o admira el atractivo visual de una obra.

Tony Smith

Descripción y análisis de sus obras de arte: Las especificaciones del artista para la escultura fueron las siguientes: “un cubo de acero laminado en caliente de 1,80 m con refuerzos internos diagonales.” Las dimensiones fueron determinadas, según Tony Smith, por las proporciones del cuerpo humano. Smith explicó que una escala mayor habría dotado a Die de la estatura de un “monumento”, mientras que uno más pequeño lo habría reducido a un mero “objeto”. Con un peso aproximado de 500 libras y descansando en el piso del museo, la escultura nos invita a caminar alrededor de ella y experimentarla secuencialmente, uno o dos lados a la vez. Al igual que otros ejemplos de minimalismo, su superficie ilegible y su franca falta de atractivo visual parecen casi hostiles en su debilitamiento de las concepciones tradicionales del arte como algo estética o emocionalmente atractivo, lo que demuestra el rechazo del artista al enfoque práctico del Expresionismo Abstractivo en la creación artística.

El título de la escultura, engañosamente simple, invita a múltiples asociaciones: alude a la fundición a presión, a uno de un par de dados y, en última instancia, a la muerte. Como señaló Smith, “Seis pies tiene la sugerencia de ser cocinado. Una caja de 1,80 m. Seis pies bajo tierra.” La racionalidad, evocada por la configuración puramente geométrica de Die, se ve contrarrestada por la presencia melancólica de la escultura. El significado se convierte en relativo y no en absoluto, algo que se genera a través de la interacción de palabras y objetos. Entretejiendo cepas de arquitectura, manufactura industrial y el objeto encontrado, Smith transformó radicalmente la forma en que la escultura podía verse, cómo se podía hacer y, en última instancia, cómo se podía entender.

Carl Andre

Descripción y análisis de sus obras de arte: La Palanca de Carl Andre fue la entrada más audaz en la exposición Primary Structures de 1966 que introdujo al público al minimalismo. Esta hilera de 137 ladrillos refractarios alineados para proyectarse desde la pared y en línea recta a través del piso fue comparada por André con una columna caída. La palanca sorprendió a los visitantes de la galería, interrumpió su movimiento y, en su simplicidad, fue molesta. Fabricado con materiales de construcción de fácil acceso (“Cualquiera podía hacerlo: ¿dónde estaba el arte?”), Lever exigía respeto a los espectadores atentos y, al mismo tiempo, socavaba los valores artísticos tradicionales. Tales provocaciones se convirtieron en rutina para André: “mi ambición como artista es ser el’Turner de la materia'”. Como Turner separó el color de la representación, así intento separar la materia de la representación”. Describió la madera como “madre de la materia” y alabó a los albañiles como “gente de buen oficio”.

De esta manera, Andre’s Lever, junto con muchas obras del Minimalismo, desafió cómo se situaba el arte en la galería y cómo los espectadores interactuaban con ella. El arte ya no se colgaba discretamente en la pared o se colocaba en un pedestal en la esquina como algo para disfrutar de una manera puramente visual. Ahora requería una interacción más compleja y reflexiva por parte del espectador. Esta pieza está hecha de materiales no tradicionales que evocan materiales industriales o de construcción que no requieren manipulación de la mano del artista. Aunque la obra no es representativa, el título sugiere trabajo manual.

Robert Morris

Descripción y análisis de sus obras de arte: Este grupo de cuatro cubos reflejados ilustra el desarrollo del artista como artista conceptual y como minimalista durante un período de cinco años. Robert Morris comenzó produciendo grandes cajas de contrachapado pintadas de gris que se utilizaron por primera vez como puntales de escenario para una compañía de ballet en la que también actuó. Su geometría regular y sus superficies inexpresivas aliaron su arte con el estilo minimalista en desarrollo, lo que le valió una exposición individual y un hueco en la histórica muestra Primary Structures de 1966. Para entonces Morris había alcanzado el estatus de portavoz del grupo con una serie de ensayos académicos sobre escultura publicados en Artforum, que fueron ampliamente debatidos.

Estos cubos espejados avanzó su interés en las propiedades visuales de los materiales y los modos de percepción. El hecho de que Morris cubra sus cubos en espejos obliga a los espectadores a enfrentarse a sí mismos en el acto de mirarse en lugar de admirar la obra de arte de forma sencilla y plácida. El tamaño de la pieza es aproximadamente la altura de una mesa o mostrador, por lo que, al igual que Carl Andre, Morris ofrece al espectador una experiencia kinestésica o somática que también está fuera de la experiencia del arte tradicional. Es esta invasión del centro del espacio de la galería por un objeto y la evolución concomitante de la experiencia artística más allá de lo puramente visual lo que llevó a Micheal Fried a llamar al movimiento “teatral”.

Donald Judd

Donald Judd

Donald Judd

Descripción y análisis de sus obras de arte: Judd fue un importante teórico del minimalismo y uno de los principales defensores de animar los espacios de las galerías mediante la colocación de objetos de una manera no convencional, en su caso colgando el arte verticalmente de la pared. A lo largo de las décadas de 1960 y 1970, Judd creó múltiples versiones de esta obra sin título, conservando siempre la misma escala pero sin utilizar nunca el mismo color o materiales. Quería que su obra existiera en un espacio tridimensional real en lugar de representar un espacio tridimensional ficticio o narrativo como en la pintura y la escultura tradicionales. Al referirse a sus esculturas como “estructuras primarias”, descartó los elementos convencionales de la escultura (el zócalo, la figura, etc.), y en su lugar creó objetos que, aunque extrañamente fríos, cotidianos e industriales en apariencia, enfatizan lo erguido de una manera que sugiere fuertemente una repetición del propio cuerpo del observador. Aunque cuelgan de la pared como un cuadro, se extienden desde la pared como una escultura, desafiando así las distinciones tradicionales entre estos dos medios. La utilización por Judd de materiales industriales prefabricados en formas idénticas repetidas hace referencia a las mercancías construidas en fábrica y a la materialidad de los medios de comunicación, a la vez que subraya el objetivo minimalista de reducir la mano visible del artista para liberar la obra de cualquier emoción o referencialidad, algo que se ve acentuado por la falta de título de la obra.

Richard Serra

Descripción y análisis de sus obras de arte: Las obras minimalistas eran a menudo más grandes que la vida y, especialmente en el caso de Serra, a veces traspasaban los límites de manera que transmitían una sensación de riesgo al espectador. Mientras que esta pieza ofrece al espectador otro cubo más, es un cubo que ha sido deconstruido. Los cuatro lados están apoyados unos contra otros y sólo se mantienen unidos por su propio peso y resistencia. Considerando que cada uno de los cuatro platos pesa 500 libras, el título paréntesis de “castillo de naipes” es bastante irónico, aunque también sugiere la posibilidad de que los cuatro lados puedan colapsar fácilmente como un castillo de naipes. El tamaño de la obra y su aparente inestabilidad podrían ser vistos como una amenaza para el espectador. En la típica moda minimalista, la obra está hecha con materiales marcadamente industriales que no muestran ninguna manipulación de la mano del artista. La obra se sitúa en el centro de un espacio de la galería que invita al espectador a pasear a su alrededor, algo que no permite una mayor iluminación sobre su significado ni un atractivo visual adicional, ya que la obra es uniforme por todos los lados.

Sol LeWitt

Sol Lewitt

Sol Lewitt

Descripción y análisis de sus obras de arte: LeWitt fue un intelectual clave del grupo minimalista y es más conocido por sus estructuras modulares al aire libre. Una vez escribió que “la característica más interesante del cubo es que es relativamente poco interesante”. Este comentario habla de lo que los artistas minimalistas pretendían conseguir, que era utilizar los objetos en y para ellos mismos, no como símbolos o representaciones de otra cosa (como Frank Stella dijo en otra ocasión: “Lo que ves es lo que ves”). Esta falta de significado es especialmente el caso de las obras que permanecen sin título o que tienen títulos puramente descriptivos, al igual que las de LeWitt. A pesar de afirmar que el cubo no es interesante en sí mismo, LeWitt utilizaría esta forma como punto de partida para sus obras, empleándolas a menudo en un formato de cuadrícula que subraya su interés en sistemas y módulos que podrían repetirse y expandirse indefinidamente, a veces hasta el punto de la irracionalidad o el caos visual. La modularidad, la ausencia de color y la crudeza geométrica de sus piezas encajan dentro de la estética minimalista, al igual que su ubicación en el centro del espacio de la galería o museo.

Ronald Bladen

Descripción y análisis de sus obras de arte: Bladen era mayor que los otros minimalistas y a veces se le considera una figura paterna del movimiento. Esta obra es típica de su producción, que se caracteriza por esculturas de gran formato, a menudo monocromáticas y de formas sencillas, muy parecidas a las de otros artistas del grupo. Las obras de Bladen difieren ligeramente a veces del minimalismo más dominante, ya que sus piezas se movían con frecuencia más allá de las formas geométricas básicas que eran utilizadas con mayor frecuencia por otros miembros del grupo. El acabado de las obras era, sin embargo, típicamente resbaladizo, conservando una calidad hecha en fábrica que borró la mano del artista, diferenciando así la obra de la AbEx y del modernismo. La “X” es un símbolo intrínsecamente negativo, ya que la letra se utiliza para eliminar o “x cosas fuera”. Su uso aquí, junto con la elección del negro monocromático como color, sugiere la negación del arte tradicional, mientras que su imponente tamaño (24 pies) se eleva sobre el espectador en mayor medida que las obras de Serra, algo que es más evidente en un entorno de galería o museo.

Dan Flavin

Descripción y análisis de sus obras de arte: Las obras de Flavin difieren en algunos aspectos de las de otros minimalistas, que compartían los mismos intereses en los materiales prefabricados, transformando la experiencia visual tradicional y honrando la influencia del constructivismo ruso en el uso de formas repetitivas y modulares. En la obra de Flavin, sin embargo, la obra de arte no está compuesta por el material en sí, en este caso las lámparas fluorescentes y los tubos de colores, sino por la forma y el color de la luz emitida por los tubos. Flavin literalmente esculpe y define los espacios con luz de colores, creando una forma de arte completamente nueva que se distingue por su falta de materialidad, pero a la vez una presencia aparentemente sólida que casi parece invadir el espacio del espectador.

Utilizó únicamente tubos prefabricados disponibles comercialmente en sus tamaños estándar, eliminando así la mano del artista, pero a menudo arreglaba los accesorios para crear varias formas. En este ejemplo, las luminarias se colocan para formar una cuadrícula, una forma minimalista tradicional debido a su estricta geometría y precisión matemática. La obra está dedicada a Harold Joachim, un filósofo idealista británico de principios del siglo XX, que estudió la verdad y, en particular, cómo los seres humanos llegan a su conocimiento o a sus reivindicaciones de verdad. Al nombrar la obra en honor a Joachim, Flavin puede estar argumentando el valor esencial de la verdad de su arte y de su arte como la esencia reducida del arte.

Kazimir Malevich

kazimir malevich

kazimir malevich

Descripción y análisis de sus obras de arte: Una vez descrita como la “criatura real y viva” de Malevich, la Plaza Negra ha sido vista como un hito en la historia del arte abstracto, un punto de partida y de llegada. Malevich pintaría cuatro versiones entre 1915 y principios de la década de 1930, y se dice que la última versión fue llevada detrás de su ataúd durante su funeral. Pared abajo de un diseño que él pintó para la Victoria Sobre el Sol (1913), esta primera versión representa un cuadrado puramente negro contra un delgado borde de blanco, oscureciendo aún más cualquier sentido de espacio o perspectiva normal. En la exposición 0.10 de 1915, Malevich enfatizó su estatus colgándolo en la esquina de una sala, emulando la tradición rusa para la colocación de iconos religiosos. Óleo sobre lienzo – Galería Tretiakov, Moscú

Autor @Arthurocrates

pseudo filosofo

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