Arte

Historia y Conceptos del Minimalismo

Por 17/11/2018 noviembre 28th, 2018 Sin Comentarios
historia y conceptos minimal Tiempo de lectura: 13 minutos

“Una forma, un volumen, un color, una superficie es algo en sí mismo. No debería ser ocultado como parte de un todo bastante diferente” Donald Judd

Comienzos

Inspiraciones Modernistas Tempranas

En la ciudad de Nueva York, a mediados de la década de 1950, jóvenes artistas como Donald Judd, Robert Morris y Dan Flavin pintaban en la vena dominante del Expresionismo Abstracto, pero se alejaban de ella hacia nuevas direcciones inspiradas por un conocimiento renovado del arte europeo reciente. Las obras de los miembros del grupo holandés De Stijl, los constructivistas rusos y la Bauhaus alemana se exhibieron en museos y galerías de la ciudad de Nueva York. Los tres grupos habían sido pioneros en las nuevas definiciones de las artes visuales al ir mucho más allá de la pintura y la escultura tradicionales.

piet mondrian

piet mondrian

Piet Mondrian, uno de los principales defensores de De Stijl, adoptó la abstracción pura y promovió una tensión dinámica a través de la superficie del lienzo y enfatizó la planitud del plano de la imagen. Una pintura ya no pretendería ser una ventana a otro mundo. Las pinturas del Homenaje a la Plaza (1949-76) de Josef Albers, un antiguo maestro de la Bauhaus, utilizaba arreglos de cuadrados dentro de cuadrados en los que la profundidad pictórica era una ilusión basada en los contrastes de color de los cuadrados. Vladimir Tatlin lideró la creación de un nuevo arte en Rusia que sintetizaría el arte y la tecnología en la Era de las Máquinas que había llegado a su país. Más idealista utópico que revolucionario, quería poner el arte al servicio de la vida cotidiana.

Entre los escultores, el rumano Constantin Brancusi fue también un proto-minimalista. Su The Endless Column (1935), una torre de formas romboidales idénticas que apuntaban al infinito, representaba sus creencias espirituales cósmicas y sus aspiraciones para su arte al demostrar cómo las formas simples en múltiplos podían extender las ideas de forma en el espacio. Y la carrera de Marcel Duchamp llevaría a una redefinición de la personalidad del artista y de su relación con la creación artística. Con sofisticado ingenio condenó los “placeres retinianos” de la pintura y dentro de su práctica combinó la pintura, la escultura cinética y estática, la fotografía y el cine.

Arte a mediados de siglo: Modernismo tardío

Estas primeras influencias dieron a los artistas la oportunidad de reevaluar el mundo del Expresionismo Abstracto de influencia surrealista, definido por gestos intuitivos y espontáneos que habían sido dominantes en el arte estadounidense durante casi dos décadas, en gran parte debido al apoyo crítico de escritores como Clement Greenberg y Harold Rosenberg. En contraste con los pintores más expresionistas, los artistas Mark Rothko y Barnett Newman enfatizaron el poder del color y la simplicidad del diseño dentro del campo del lienzo. Apodado pintor de Campo de Color, Rothko colocó amplias bandas de color horizontalmente sobre el lienzo mientras Newman descubría los delgados motivos verticales de cremallera que dividían sus campos en zonas de color plano pintado. En cada caso, el espectador quedó absorto en la atmósfera de estas obras a gran escala. Su compatriota más radical Ad Reinhardt pintó campos sólidos de rojo o negro monocromático que desterraron todas las pruebas más sutiles de la participación de un artista en la obra. Activo como escritor, crítico y educador, dijo famosamente: “Mis pinturas son las últimas que uno puede hacer”, y así se hizo querer por la siguiente generación de creadores.

Los artistas que se convirtieron en minimalistas querían en cambio producir un arte menos personal y más sustancial, creyendo que una obra de arte no debía referirse a nada más que a sí misma. Así, a principios de los años sesenta, muchos de estos artistas habían abandonado la pintura en favor de objetos que no parecían ni pintura ni escultura en el sentido convencional. Por ejemplo, las Pinturas Negras de Frank Stella (1958-60), una serie de lienzos a rayas concéntricas de gran influencia, fueron estirados sobre un chasis de madera más grueso que los sacó agresivamente de la pared. Este apoyo enfatizaba la materialidad y la objetividad de las pinturas que eran claramente abstracciones, carecían de evidencia de pinceladas, y lograban un estado de planitud ejemplar para otros. Las pinturas de Stella ampliaron las posibilidades de pintar más allá de simples rectángulos para ser enmarcados (que no lo eran) y colgados en una pared como ornamento. Sus obras, en cambio, asumieron características físicas tanto de la arquitectura como de la escultura que contradecían todos los ejemplos anteriores de pintura.

Frank Stella

Frank Stella

El logro de Stella se vio reflejado en el trabajo de otros artistas abstractos que estaban realizando grandes pinturas que parecían basarse en teoremas geométricos. Kenneth Noland, que siguió las teorías de Josef Albers sobre la “interacción de los colores”, pintó grandes lienzos abstractos que incluían blancos, chevrones y motivos a rayas. Las construcciones monocromáticas independientes de Robert Mangold también se vieron afectadas por la prevalencia de la abstracción geométrica que Albers había introducido.

El comienzo del minimalismo y el arte conceptual

En la siguiente generación hubo muchos teóricos que se convirtieron en importantes portavoces de los movimientos del arte Minimal y Conceptual, un estilo contemporáneo. Estos artistas y escritores ayudaron a determinar la estética y la recepción crítica de ambos estilos.

La obra “Specific Objects” de Donald Judd, publicada en 1965, intentaba establecer la estética del minimalismo. De hecho, rechazó el nombre “minimalismo” para caracterizar el arte, favoreciendo en cambio el término “objetos específicos”, que describió como el rechazo de las distinciones tradicionales entre las formas de arte para abarcar obras que no eran fácilmente etiquetadas como pintura o escultura.

Robert Morris escribió las “Notas sobre esculturas” en tres partes en 1966, en las que pedía el uso de formas simples que el espectador pudiera comprender intuitivamente y argumentaba que la interpretación de las obras minimalistas dependía del contexto y de las condiciones en las que se percibían. Al hacer este argumento, estaba esencialmente invirtiendo la noción de que la obra de arte tenía un significado inherente -derivado del artista- que era independiente del espectador.

Sol Lewitt

Sol Lewitt

Sol LeWitt contribuyó al desarrollo de ambos movimientos. Publicó, “Paragraphs on Conceptual Art” (1967) (considerado por muchos como el manifiesto del movimiento), en el que escribió: “El aspecto de la obra de arte no es demasiado importante. Tiene que parecer algo si tiene forma física. No importa de qué forma pueda tener finalmente, debe comenzar con una idea. Es el proceso de concepción y realización que le concierne al artista”. Durante 40 años, hasta su muerte en 2007, LeWitt trabajó internacionalmente como escultor, pintor y fotógrafo y fue el líder de los artistas minimalistas después de la muerte de Flavin y Judd.

Carl Andre publicó una poesía que tenía un atractivo tanto literario como visual, este último creado por la configuración artística del texto del poema como si las palabras fueran un medio sólido. Estos poemas formaban parte integrante de las exposiciones de Andre, donde a veces aparecían en entradas de catálogos o junto a sus esculturas.

Una y tres sillas de Joseph Kosuth (1965) es un hito conceptual en el que reunió un objeto, una fotografía de ese objeto y una definición ampliada del objeto en un diccionario para una exposición en una galería. Cuestiona lo que realmente constituye una silla en nuestro pensamiento: ¿es el objeto sólido que vemos y usamos o es la palabra “silla” que usamos para identificarlo y comunicarlo a los demás?

Como resultado de todos estos fundamentos teóricos, el movimiento del minimalismo encontró que el escenario se expandía.

El título del movimiento

A partir de esta multitud de fuentes, los artistas que llegaron a ser conocidos como minimalistas trazaron las nuevas estrategias que informaron sus proyectos y procesos. Muchos nombres flotaron para caracterizar este nuevo arte: “Arte A.B.C.”, “Arte reductor”, “literalidad”, “pintura sistémica” y “Arte de lo real”. “Minimalismo” fue el término que finalmente se quedó grabado, quizás porque describía mejor la forma en que los artistas reducían el arte al mínimo número de colores, formas, líneas y texturas. El minimalismo era también un término crítico aceptado en la danza y la música contemporáneas que, al igual que las artes visuales, estaba siendo despojado de ornamentos, utilizaba motivos repetitivos y encontraba sus escenarios en la vida cotidiana y urbana más que en los mitos y leyendas del pasado.

La Exposición de Estructuras Primarias

La exposición de 1966 en el Museo Judío de Nueva York fue un acontecimiento importante que atrajo la atención de la crítica y estableció el minimalismo como una fuerza significativa en el mundo del arte. La muestra incluyó obras de muchos de los que eran importantes para el movimiento, como Sol LeWitt, Dan Flavin, Robert Morris, Carl Andre y Donald Judd, así como de algunos artistas que se encontraban en sus márgenes, como Ellsworth Kelly y Anthony Caro – más de cuarenta artistas en total. Exposiciones como Primary Structures fueron acompañadas de publicaciones y críticas que avanzaron y ampliaron el discurso sobre el minimalismo y el arte conceptual.

Un nuevo arte para nuevos espacios

En las décadas de 1960 y 1970 se abrieron nuevos espacios de exposición en Europa y América. Los museos tradicionales ampliaron sus galerías y se crearon nuevos “kunsthalles”, instalaciones de exposición sin colecciones permanentes. También se amplió el papel de las galerías y museos universitarios. Las galerías cooperativas dirigidas por artistas como Artists Space en Nueva York fueron emuladas en otros lugares. Típicamente, estas galerías se apoderaron de grandes espacios ásperos que a menudo eran “laboratorios” donde los artistas de Minimal y Conceptual probaban su trabajo. En la década de 1970 hubo un verdadero auge en el arte público que trajo el reconocimiento nacional a los escultores minimalistas. Las agencias estatales y locales establecieron parques públicos de escultura donde floreció la escultura minimalista.

La nueva publicación Artforum se inició en California en 1962 y se trasladó a la ciudad de Nueva York en 1967. A través de varias editoriales, la revista desarrolló y fue en 1971 la revista especializada de arte minimalista y conceptual. Además de las reseñas, publicó trabajos presentados por artistas, así como el comentario más reflexivo sobre arte contemporáneo.

Conceptos y estilos

Escultura minimalista

Carl Andre

Carl Andre

La mayoría de los minimalistas se centraron en la creación de objetos tridimensionales, ya que ésta era la faceta más radical y experimental del movimiento. El énfasis de los minimalistas en erradicar los signos de autoría de su arte mediante el uso de formas geométricas simples y materiales industriales llevó a obras que se asemejaban más a objetos simples que a la escultura tradicional. La colocación innovadora de estas obras en el suelo de los espacios de las galerías, en lugar de en los pedestales, subrayó aún más su diferencia con respecto a las obras de arte convencionales.

El enfoque en la superficie y la ausencia del artista significaba que el significado del objeto no era visto como inherente al objeto en sí, sino que provenía de la interacción del espectador con el objeto. Esto llevó a un nuevo énfasis en el espacio físico en el que residía la obra de arte. En parte, este desarrollo se inspiró en los escritos de Maurice Merleau-Ponty sobre fenomenología, en particular, La fenomenología de la percepción (1945).

Pinturas minimalistas

Además de escultores, el minimalismo también se asocia con algunos pintores abstractos clave, como Frank Stella, Ellsworth Kelly, Agnes Martin y Robert Ryman. Estos artistas pintaban lienzos sencillos que se consideraban mínimos debido a sus barebones, a menudo composiciones geométricas. Utilizando sólo líneas, colores sólidos y, a veces, formas geométricas y lienzos con formas, estos artistas combinaron materiales pictóricos de tal manera que cuestionaron la dicotomía tradicional entre los medios artísticos al realizar pinturas que también podían ser consideradas objetos por derecho propio debido a la voluminosidad del soporte del lienzo y a las formas no tradicionales de las pinturas.

Instalaciones Ligeras Minimalistas

Bruce Nauman

Bruce Nauman

Este uso de tubos de luz fluorescente para crear arte enfatizó aún más el alejamiento del Minimalismo de las formas de arte tradicionales. Dan Flavin utilizó la luz y el color de los tubos disponibles en el mercado para esculpir el espacio en zonas de color. Mientras que los tubos a veces estaban dispuestos en formas geométricas como rejillas o líneas simples, el foco del arte estaba típicamente en la luz emitida más que en la forma de los tubos mismos. Los accesorios industriales estándar que sujetaban los tubos también eran útiles como elementos de composición. Volteados hacia el espectador, sus lados en blanco contrastaban con la luz de color que miraba hacia afuera en las piezas de la cuadrícula. Los artistas más jóvenes Keith Sonnier y Bruce Nauman vieron el potencial de la luz en la escultura y usaron tubos de neón en combinación con otros materiales y letras.

Otros Minimalistas

El estilo sin adornos y los conceptos de sistema del minimalismo encontraron seguidores en la arquitectura y el diseño de interiores, donde se produjo un renacimiento del Estilo Internacional de la década de 1920 e incluso el Art Decó recibió un nuevo aspecto. Los coreógrafos contemporáneos eliminaron los trajes quisquillosos y los bailarines tocaron con la música estricta y repetitiva de los compositores minimalistas en los escenarios desnudos. Incluso, los platos frugales y bajos en calorías de la nueva cocina importada de París fueron otro fenómeno del minimalismo.

Evolución posterior

A finales de los años sesenta, pocos años después del nacimiento del movimiento, el minimalismo se estaba diversificando en muchas disciplinas hasta tal punto que ya no podía considerarse como un estilo o una tendencia coherente: varios artistas que habían sido importantes para su desarrollo inicial empezaron a moverse en diferentes direcciones personales. Las nuevas ideas y estilos rápidamente llegaron a dominar el mundo emergente.

Arte y Objectividad

Los detractores del arte minimalista fueron dirigidos por Michael Fried, cuyo ensayo “Art and Objecthood” fue publicado en Artforum en 1967. Aunque el ensayo parecía confirmar la importancia del movimiento como un punto de inflexión en la historia del arte moderno, Fried se sentía incómodo con lo que anunciaba. Al referirse al movimiento como “literalismo” y a los que lo hicieron como “literalistas”, acusó a artistas como Judd y Morris de confundir intencionadamente las categorías de arte y los objetos ordinarios. Según Fried, lo que estos artistas estaban creando no era arte, sino una declaración política y/o ideológica sobre la naturaleza del arte. Fried sostenía que sólo porque Judd y Morris arreglaron objetos no artísticos idénticos en un campo tridimensional y lo proclamaron “arte”, no necesariamente lo hizo así. Fried ridiculizó suavemente sus esfuerzos al advertirles contra lo que él percibía como teatralidad en las justificaciones que hacían para sus instalaciones. Se trataba de una confrontación directa, en particular con Morris, quien describió la importancia de la duración del tiempo y los movimientos del espectador necesarios para experimentar el arte y la importancia de las percepciones recogidas por el espectador.

Postminimalismo

A medida que avanzaba la década de 1960, se desarrollaron ramificaciones del minimalismo bajo la rúbrica de Post-Minimalismo. Algunas de ellas, como las de Richard Serra, eran extensiones de teorías minimalistas, pero la mayoría eran retos para la apariencia rigurosa del minimalismo. El californiano Robert Irwin pintó discos luminiscentes y lienzos minimalistas con rayas tenues, pero en 1969 comenzó a hacer grandes instalaciones de galería utilizando fuentes de luz disponibles ocultas detrás de pantallas translúcidas. Sus obras inspiraron el movimiento Luz y Espacio al que se unieron los escultores californianos Larry Bell y James Turrell. Tales instalaciones eran abiertamente teatrales y su simplicidad sugería la filosofía budista zen en lugar del formalismo.

Las nuevas sedes fomentaron más instalaciones donde la estética minimalista era perceptible pero fuertemente contrarrestada por visiones independientes. Lynda Benglis y Eva Hesse experimentaron con resinas industriales vertidas y moldeadas que introdujeron un aspecto orgánico cuando fueron colgadas del techo, sobresaliendo de las paredes o esparcidas por el suelo. Nancy Graves fabricó simulaciones de pieles de animales.

Walter de Maria

Walter de Maria

Robert Smithson organizó una exposición de Land Art que planteó un desafío explícito a las nociones convencionales de escultura y amplió las definiciones minimalistas. Sus movimientos de tierra fueron realizados con bulldozers en lugares remotos y representados sólo por fotografías. Siguiendo el ejemplo de Smithson, Michael Heizer, Richard Long y Walter de Maria retiraron el arte de las galerías y convirtieron la tierra misma en material artístico. Los límites entre “escultura” y “objeto” fueron erosionados, y se revelaron nuevas definiciones de arte y creatividad.

El minimalismo y la siguiente etapa del feminismo

Viendo el éxito de las escultoras minimalistas en particular, las feministas criticaron lo que consideraban la retórica del poder en la brutalidad de algunas de las obras. El concepto de arte feminista surgió al mismo tiempo que el postminimalismo y desarrolló sus propias polémicas nacidas de esta era de concientización. Inicialmente el arte feminista era visiblemente hecho a mano, basado en la artesanía, e incorporaba creencias e iconos rituales: se oponía abiertamente al minimalismo y celebraba “la diosa”. Por ejemplo, Judy Chicago creó The Dinner Party (1974), una enorme instalación de cubiertos de cerámica para treinta y nueve mujeres históricamente famosas que era rica en simbolismo cultural y totémico. Recorrió los museos de América durante cinco años, inspirando muchas exposiciones colaterales a lo largo de la ruta.

A lo largo del siglo XX, las mujeres habían estado poco representadas en museos y galerías y carecían de organización hasta que uno de los principales artistas y teóricos minimalistas -Robert Morris- apareció en un cartel para una exposición de 1974 en la Galería Leo Castelli, con el pecho desnudo y cadenas y un casco de la época nazi. Las mujeres que habían participado en el Movimiento de Derechos Civiles se levantaron en contra de Morris y de esta imagen y comenzaron a reclamar la equidad de género en las prácticas artísticas. Publicaron manifiestos, hicieron piquetes en galerías y fundaron revistas como Herejías, A Feminist Publication on Art and Politics (1977-92). El Woman’s Building de Los Ángeles y la AIR Gallery de Nueva York se crearon para que las mujeres pudieran exponer en colaboración y en exposiciones individuales. El Museo Nacional de la Mujer en las Artes fue fundado en Washington, DC, en 1981 y se mudó a su propio edificio en 1987, pero para entonces los objetivos de las feministas ya se habían cumplido en gran medida.

Autor @Arthurocrates

pseudo filosofo

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